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가에 아울렌티

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목차

1. 개요

가에 아울렌티는 이탈리아의 건축가, 산업 디자이너, 무대 디자이너로, 오르세 미술관, 샌프란시스코 아시아 미술관, 도쿄 이탈리아 문화원 등을 설계했다. 1953년 밀라노 공과대학교 건축학과를 졸업하고, 카사벨라 잡지에서 아트 디렉터로 활동하며 네오리버티 운동에 참여했다. 산업 디자인 분야에서는 Locus Solus 가구 컬렉션, Pipistrello 램프 등을 디자인했으며, 루카 론코니와 협력하여 오페라 무대 디자인 작업을 했다. 1991년 다카마쓰노미야 전하기념 세계문화상을 수상했으며, 2012년 밀라노에서 사망했다.

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가에 아울렌티 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
1986년의 가에 아울렌티
1986년의 아울렌티
본명가에타나 에밀리아 아울렌티
출생1927년 12월 4일
출생지팔라촐로 델로 스텔라, 이탈리아
사망2012년 10월 31일
사망지밀라노, 이탈리아
국적이탈리아
교육밀라노 공과대학교 건축학과
분야건축 디자인
사조근대주의
경력
주요 작품오르세 미술관
팔라초 그라시(가칭)
산프란시스코 아시아 미술관(가칭)
무대 디자인루카 론코니와 협업
쇼룸 디자인피아트 쇼룸 디자인
수상
수상 내역프랑스 건축 아카데미상
레지옹 도뇌르 훈장
이탈리아 공화국 공로장

2. 생애 및 교육

밀라노 공과대학교 건축학부에서 건축을 전공하고 1953년에 졸업했다. 1955년부터 1965년까지 건축 디자인 잡지 《카사벨라 콘티누이타》(''Casabella Continuità'')에서 아트 디렉터로 일했으며, 편집장 에르네스토 나탄 로저스(Ernesto Nathan Rogers)의 철학에 영향을 받은 젊은 디자이너 그룹의 일원이었다. 르 코르뷔지에나 발터 그로피우스 등 근대 건축 거장들의 영향을 거부하고, 독자적인 정체성을 모색한 그들은 자신들의 운동을 ‘네오리버티’(Neoliberty)라고 불렀다.

박사학위를 취득한 이후, 1960년부터 1962년까지 베네치아 건축대학에서 주세페 사모나 (Giuseppe Samonà) 아래에서 교편을 잡았다. 1964년부터 1969년에 걸쳐 밀라노 공과대학 건축학부에서 에르네스토 나탄 로저스 아래에서 가르쳤다. 이 시기에는 밀라노 백화점 라 리나셴테를 위해 상품 디자인을 했고, 조명 기기 회사 마르티넬리 루체(Martinelli Luce)를 위해 테이블 램프 '피피스트렐로(Pipistrello)'(이탈리아어: 박쥐)를, 디자인 가구 회사 자노타(Zanotta)를 위해서 스테인리스 스틸 접이식 의자 'April'(에이프릴)이나 판유리를 상판으로 사용한 테이블 'Sanmarco'(산 마르코)를 디자인했다. 또 이탈리아 산업디자인 협회의 부회장도 역임했다.

1970년대 프랑스에서는 빅토르 라루가 설계하여 1900년에 완성된 파리의 구 오르세역 역사를 보존해 미술관으로 개조하는 프로젝트를 시작했다. 1980년에 열린 건축 설계 콘테스트에서 아울렌티의 방안이 채택되었다. 이것이 1848년부터 1915년까지 프랑스를 중심으로 하는 미술 작품을 전시하는 오르세 미술관이며, 1986년 12월에 개관했다. 기존 구조와 장식 등을 존중하면서 부드러운 빛이 쏟아지는 트레인 쉐드 아래를 거대한 조각품 전시공간으로 만들고, 플랫폼 부분에 석조 갤러리를 만들어 낡은 건물을 우아한 미술관으로 재탄생시켰다. 이로 인해 퐁피두 센터의 국립근대미술관의 전시 공간 개수도 그녀에게 맡겨졌다. 또한 베네치아의 팔라초 그래시, 베를린의 구 이탈리아 대사관, 카탈루냐 미술관 등 여러 미술관 관련 프로젝트를 맡았다. 샌프란시스코에서는 보자르 양식의 구 도서관을 개수하여 샌프란시스코 아시아 미술관으로 만드는 프로젝트를 실행해 2003년에 개관했다.

미술관 외에도 2011년에는 페루자 공항의 확장 계획을 감독했다. 일본에서는 1992년에 도큐 본사 빌딩 터(현재 세루리안 타워가 세워져 있는 장소)의 공모에 이시모토 건축 사무소와 공동으로 참가해 초고층 빌딩 디자인 안을 제출했지만 미완으로 끝났다. 2005년에는 도쿄에 새로운 이탈리아 문화원 건물을 완성했지만, 고쿄 옆에 붉은색 건물이 세워졌다는 경관 논쟁을 일으켰다.

아울렌티는 유명한 연출가인 루카 론코니(Luca Ronconi)와도 무대 미술 작업을 했으며, 대표작에는 빛의 토요일(Samstag aus Licht, 1984년) 등이 있다.

2012년 10월 16일에는 밀라노 트리엔날레에서 평생공적상을 수상했으며, 같은 해 10월 31일, 밀라노의 자택에서 84세의 일기로 세상을 마쳤다.[117]

2. 1. 유년 시절 및 가족

가에 아울렌티는 이탈리아 북동부 프리울리 지역 팔라졸로 델로 스텔라에서 회계사인 아버지 알도 아울렌티와 초등학교 교사인 어머니 버지니아 조이아 사이에서 태어났다.[11] 아울렌티 가문은 칼라브리아, 풀리아, 캄파니아를 조상으로 두었으며, 아버지는 치안 판사, 어머니는 의사였다.[12][13][14]

어렸을 때 가족은 이탈리아 북부 피에몬테 지역 비엘라로 이사했다. 제2차 세계 대전 중에는 비엘라로 돌아가 개인적으로 학업을 계속해야 했으며,[14] 연합군을 위해 작은 임무를 수행하기도 했다.[14]

1948년 밀라노 공과대학교 건축학과에 입학했다.[15][16][14] 1959년 동문인 프란체스코 부치와 결혼하여 딸 조반나 부치를 낳았지만 3년 후 이혼했다.[7][19]

2. 2. 학창 시절

이탈리아 북동부 프리울리 지방의 우디네현 팔라촐로델로스텔라에서 태어나 밀라노 공과대학교 건축학부에서 건축을 공부하여 1953년 졸업했다. 1955년부터 1965년까지 건축 디자인 잡지 'Casabella Continuità'(Casabella Continuità|카사벨라 콘티누이타it)에서 아트 디렉터로 일했으며, 편집장 에르네스토 나탄 로저스(Ernesto Nathan Rogers)의 철학에 영향을 받은 젊은 디자이너 그룹의 일원이었다. 르 코르뷔지에나 발터 그로피우스 등 근대 건축의 거장들의 영향을 거부하고 독자적인 정체성을 모색한 그들은 자신들의 운동을 "Neoliberty"(Neoliberty|네오리베르티it)라고 불렀다.

박사 학위 취득 후 1960년부터 1962년까지 베네치아 건축 대학교에서 주세페 사모나 밑에서 가르쳤고, 1964년부터 1969년까지 밀라노 공과대학교 건축학부에서 에르네스토 로저스 밑에서 가르쳤다.

2. 3. 결혼과 이혼

아울렌티는 1959년 밀라노 공과대학교 동문인 프란체스코 부치와 결혼했다.[7] 그들은 딸 조반나 부치를 낳았지만 3년 후 이혼했다.[19] 조반나는 어머니와 가깝게 지냈고 어머니를 멘토로 여겼다.[19] 아울렌티의 손녀도 건축가가 되었다.[20] 아울렌티는 평생 두 번 이혼했다.[117]

3. 디자인 철학

가에 아울렌티는 건축이 도시와 연결되어 있으며, 도시의 예술이자 기초의 예술이라고 생각했다. 그래서 건축은 그것이 태어난 맥락, 즉 장소, 시간, 문화와 필연적으로 관련되고 조건화된다고 믿었다.[7] 그녀는 건축의 세 가지 기본적인 능력으로 분석, 종합, 예언을 꼽았다. 분석적 능력은 건축의 개념적, 물리적, 도시 및 지리적 흔적의 연속성을 인식하는 능력이고, 종합적 능력은 건축의 원리를 우선시하고 명확하게 만들기 위해 필요한 종합을 수행하는 능력이다. 마지막으로 예언적 능력은 예술가, 시인, 발명가에게서 볼 수 있는 능력이라고 설명했다.[27][28]

아울렌티는 자신의 작업을 추상적인 규칙에 얽매이지 않고, 전문 분야에 국한되지 않으며 다양한 분야를 다루는 것이라고 설명했다. 그녀는 극장이 문학적, 음악적 텍스트를 분석할 수 있게 하고, 건축 공간을 보완하는 세계로서 객체 디자인을, 이론과 실제가 얽혀야 하는 기본적인 열정으로서 건축을 꼽았다. 또한 건축은 건물 과학과 예술이 극도로 통합된 학제간 지적 작업이라고 믿었다.[31]

3. 1. 네오리버티 운동

1953년 밀라노 공과대학 건축학부를 졸업한 가에 아울렌티는 1955년부터 1965년까지 건축 디자인 잡지 《카사벨라 콘티누이타》(''Casabella Continuità'')에서 아트 디렉터로 일했고, 편집장 에르네스토 네이선 로저스의 철학에 영향을 받은 젊은 디자이너 그룹의 일원이었다. 르 코르뷔지에나 발터 그로피우스 등 근대 건축 거장들의 영향을 거부하고, 독자적인 정체성을 모색한 그들은 자신들의 운동을 ‘네오리버티’(Neoliberty)라고 불렀다.[24][7][4][25]

네오리버티는 역사적 건축 양식과 현대 건축 양식 사이에 단절이 아닌 연속성이 있으며, 과거의 요소를 사용하여 현대 디자인을 향상시킬 수 있다고 주장했다.[26] 이는 장식을 배척하고 형태보다 기능을 중시하는 모더니즘과는 반대되는 개념이었다.[2] 아울렌티는 다음과 같이 설명했다.

> "제가 생각하는 건축은 미적, 도덕적 질서가 아닌 세 가지 기본적인 능력에서 파생됩니다. 첫 번째는 분석적인 능력으로, 건축의 특정 본질로서 개념적, 물리적 도시 및 지리적 흔적의 연속성을 인식할 수 있어야 합니다. 두 번째는 종합적인 능력으로, 건축의 원리를 우선시하고 명확하게 만들기 위해 필요한 종합을 수행하는 방법을 아는 것입니다. 세 번째는 예술가, 시인, 발명가의 전형적인 예언적인 능력입니다."[27][28]

아울렌티의 네오리버티 해석은 그녀의 첫 번째 가구 작품인 Sgarsul 의자(1962)에서 잘 드러난다. 이 의자는 부드러운 폴리우레탄 패딩이 있는 가죽 시트를 매달아 놓은 구부러진 너도밤나무로 제작되었다. Sgarsul 의자의 디자인은 미카엘 토넷의 흔들의자 No. 1(1862)에서 영감을 얻었다.[29][30][31]

3. 2. 건축 철학

아울렌티는 건축이 도시와 연결되어 있으며, 도시의 예술이자 기초의 예술이라고 생각했다. 그래서 건축은 그것이 태어난 맥락, 즉 장소, 시간, 문화와 필연적으로 관련되고 조건화된다고 믿었다.[7]

1955년부터 1965년까지 아울렌티는 밀라노의 아방가르드 건축 및 디자인 잡지 카사벨라-콘티누이타(Casabella-continuità)에서 그래픽 디자이너로 일했다.[24] 편집장 에르네스토 네이선 로저스의 지휘 아래, 아울렌티는 새로운 이탈리아 건축 이론인 신자유주의를 연구했다.[7][4][25] 신자유주의는 역사적 건축 양식과 현대 건축 양식 사이에 단절이 아닌 연속성이 있으며, 과거의 요소를 사용하여 현대 디자인을 향상시킬 수 있다고 주장했다. 이는 장식을 배척하고 형태보다 기능을 중시하는 모더니즘과는 반대되는 입장이었다.[2]

아울렌티는 건축의 세 가지 기본적인 능력으로 분석, 종합, 예언을 꼽았다. 분석적 능력은 건축의 개념적, 물리적, 도시 및 지리적 흔적의 연속성을 인식하는 능력이고, 종합적 능력은 건축의 원리를 우선시하고 명확하게 만들기 위해 필요한 종합을 수행하는 능력이다. 마지막으로 예언적 능력은 예술가, 시인, 발명가에게서 볼 수 있는 능력이라고 설명했다.[27][28]

아울렌티의 신자유주의 해석은 그녀의 첫 가구 작품인 Sgarsul 의자(1962)에 잘 나타나 있다. 이 의자는 부드러운 폴리우레탄 패딩이 있는 가죽 시트를 매달아 놓은 구부러진 너도밤나무로 제작되었으며, 미카엘 토넷의 흔들 의자 No. 1(1862)에서 영감을 얻었다.[29][30][31]

아울렌티는 자신의 작업을 추상적인 규칙에 얽매이지 않고, 전문 분야에 국한되지 않으며 다양한 분야를 다루는 것이라고 설명했다. 그녀는 극장이 문학적, 음악적 텍스트를 분석할 수 있게 하고, 건축 공간을 보완하는 세계로서 객체 디자인을, 이론과 실제가 얽혀야 하는 기본적인 열정으로서 건축을 꼽았다. 또한 건축은 건물 과학과 예술이 극도로 통합된 학제간 지적 작업이라고 믿었다.[31]

4. 주요 작품

가에 아울렌티는 건축 디자인, 산업 디자인, 무대 디자인 등 다양한 분야에서 활동했다.


  • 건축 디자인:
  • 오르세 미술관: 1970년대 프랑스 파리의 옛 오르세 미술관 역사를 미술관으로 바꾸는 계획에서 1980년 건축 설계 경기에 당선되어, 1986년 12월 개관했다.
  • 기타 미술관: 베네치아의 팔라초 그라시, 베를린의 구 이탈리아 대사관, 카탈루냐 국립 미술관, 샌프란시스코 아시아 미술관 등 다수의 미술관 관련 프로젝트를 진행했다.
  • 기타 건축: 2011년 페루자 공항 확장 계획, 1992년 도큐 전철 본사 부지 공모 (미완), 2005년 도쿄 이탈리아 문화원 신축(경관 논쟁 야기) 등의 프로젝트를 진행했다.
  • 무대 디자인: 루카 론코니와 협력하여 카를하인츠 슈톡하우젠의 ''빛으로부터의 토요일'' (1984년) 등 다수의 무대 미술 작업을 했다.


4. 1. 산업 디자인

가에 아울렌티는 산업 디자인 분야에서 왕성한 활동을 했다.[32][33]

1960년대 밀라노의 백화점 라 리나센테를 위해 상품 디자인을 하였고, 조명 기기 회사 마르티넬리 루체(Martinelli Luce)를 위해 테이블 램프 'Pipistrelloit'(피피스트렐로, '박쥐')를[118], 디자인 가구 회사 자노타(Zanotta)를 위해 스테인리스 스틸 접이식 의자 'April'(에이프릴)과 판유리를 상판으로 사용한 테이블 'Sanmarco'(산마르코)를 디자인했다. 또한 이탈리아 산업 디자인 협회의 부회장도 역임했다.

램프, 1965


그녀가 디자인한 램프는 스타일, 혁신, 기능으로 유명했다.[32] 예를 들어, 조명 및 가구 제조업체인 Fontana Arte를 위해 디자인한 Giova 램프(1964)는 램프, 화분, 아로마 디퓨저 및 예술품으로 기능하는 구심력 물체였다.[31] Pipistrelloit 램프(1965)는 아울렌티의 초기 디자인 중 하나였지만, 오랫동안 사랑받았다.[37][38] 이 램프는 목 부분이 20cm까지 늘어나 테이블이나 바닥에 놓을 수 있었다.[38][1] Martinelli Luce 조명 회사의 설립자인 엘리오 마르티넬리가 폴리(메타크릴산 메틸) 성형을 사용하여 제작했다.[39] Ruspa 테이블 램프(1967)는 네 개의 조명으로 구성된 모듈형 예술 그룹이었다. 내장된 반사경에서 나오는 직사광선과 간접광은 램프 헤드의 각도를 조절하여 제어했다. Ruspa는 플라스틱 대신 래커 처리된 알루미늄 합금으로 제작되어 독특했다.[40]

An outdoor furniture set in orange, red and white circular geometric design
Locus solus 정원 세트, 1964


그녀의 Locus Solus 가구 컬렉션은 1964년에 처음 출시되었으며, 레이몽 루셀의 1912년 동명 소설에 등장하는 시골 저택에서 영감을 받았다. 이 컬렉션은 의자, 테이블, 조절 가능한 램프, 소파, 선 라운저, 벤치로 구성되었으며, 모두 Poltronova 가구 회사에서 냉간 성형 강철로 제작되었다. Locus Solus 컬렉션은 영화 《La Piscine프랑스어》(1969)의 무대 디자인에 사용되었다. 2023년에는 오프 화이트와 옐로우 색상의 복제 컬렉션이 상업적으로 판매되었다.[34][35][36]

정밀 사무 기기 제조업체인 올리베티는 아울렌티에게 파리(1967)와 부에노스아이레스 (1968)에 쇼룸을 디자인하도록 의뢰했다.[41][30] 타자기와 같은 사무 기기는 어두운 광택 목재의 방사형 스포크로 강조된 흰색 라미네이트 계단 구조 위에 전시되었다. 이 디자인은 광장의 계단과 전통적인 아프리카 문화의 반복적인 삼각 패턴에서 영감을 받았다.[42][41] 전시 중심부에는 우주 캡슐을 연상시키는 키가 큰 빨간색 구조물이 미래를 나타냈다.[41] 조명은 아울렌티의 Girasole 플로어 램프를 사용했는데, 9개의 반원형 투명 플라스틱이 중앙 스파인과 숨겨진 전구 주위에 배치되었다.[43] 아울렌티는 올리베티를 위한 작업을 자신의 국제적인 경력의 중요한 출발점이라고 묘사했다.[14]

1968년 아울렌티는 자동차 제조업체인 피아트를 위해 토리노, 취리히, 브뤼셀에 쇼룸을 디자인했다.[44] 각 자동차는 거울 벽을 배경으로 기울어진 금속 플랫폼 위에 일렬로 전시되었다.[45] 고객은 중앙 시청 지점을 탐색하는 동안 자동차는 마치 경주 트랙을 달리는 것처럼 배치되었다. 쇼룸 가구는 아울렌티의 디자인을 바탕으로 Kartell 가구 회사에서 제작했다. 당시 Kartell은 사출 성형을 실험하고 있었다.[45][10]

아울렌티는 프랑스 패션 하우스 루이 비통과 협력하여 시계와 일치하는 펜 및 실크 스카프를 디자인했다. "Monterey"(1988)로 알려진 이 디자인은 두 가지 버전으로 출시되었다. Monterey I은 정교하게 장식된 회중시계를 연상시키는 요소가 특징이었고, Monterey II는 매끄러운 블랙 광택 세라믹 케이스로 눈에 띄었다.[46]

아울렌티는 또한 "Orsay" 컬렉션(1996)이라고 불리는 도자기 위생 도기 라인을 디자인했다.[1]

아울렌티는 이탈리아와 해외에서 전시 공간을 디자인했다.[101][27]

그녀는 뉴욕의 솔로몬 R. 구겐하임 미술관에서 게르마노 첼란트가 기획한 전후 예술 및 디자인 전시회인 ''이탈리아 변신 1943-1968''(1994)의 전시 공간을 디자인했다. 아울렌티는 미술관의 아트리움에 투사되는 와이어 삼각형으로 된 대형 조형물을 만들었다. 관람객들이 경사로를 따라 올라가면서 조형물에 대한 시각이 점차적으로 변화했다.[102][103] 벤야민 부클로는 아울렌티와 같은 디자이너들이 전시 디자인에 자신들의 "트레이드마크" 건축 미학을 통합함으로써 이를 강조할 수 있다고 언급했다. 그는 이것이 전시되는 예술 작품이나 객체의 손해로 이어진다고 비판했다. 부클로는 구겐하임의 곡선 공간에 배치된 아울렌티의 "지그재그" 디자인을 "vagina dentata"로 묘사했다.[104]

4. 2. 건축 디자인

1953년 밀라노 공과대학교 건축학부를 졸업하고, 1955년부터 1965년까지 건축 디자인 잡지 《카사벨라 콘티누이타》(''Casabella Continuità'')에서 아트 디렉터로 일했다. 편집장 에르네스토 나탄 로저스(Ernesto Nathan Rogers)의 철학에 영향을 받은 젊은 디자이너 그룹의 일원으로서, 르 코르뷔지에나 발터 그로피우스 등 근대 건축 거장들의 영향을 거부하고 독자적인 정체성을 모색하며 자신들의 운동을 Neoliberty|네오리버티it라고 불렀다.[116][117]

박사 학위 취득 후 1960년부터 1962년까지 베네치아 건축 대학교에서 주세페 사모나 밑에서 가르쳤고, 1964년부터 1969년까지 밀라노 공과대학교 건축학부에서 에르네스토 로저스 밑에서 가르쳤다. 이 시기에는 밀라노의 백화점 라 리나센테(La Rinascente)를 위해 상품 디자인을 한 외에, 조명 기기 회사 마르티넬리 루체(Martinelli Luce)를 위해 테이블 램프 Pipistrello|피피스트렐로it('박쥐')를[118], 디자인 가구 회사 자노타(Zanotta)를 위해 스테인리스 스틸 접이식 의자 'April'(에이프릴)과 판유리를 상판으로 사용한 테이블 'Sanmarco'(산마르코)를 디자인했다. 또한 이탈리아 산업 디자인 협회의 부회장도 역임했다.

1970년대 프랑스에서는 빅토르 라루가 설계하여 1900년에 완성된 파리의 옛 오르세 미술관 역사를 보존하여 미술관으로 전용하는 계획이 수립되었고, 이를 위한 건축 설계 경기가 1980년에 열려 아울렌티의 안이 승리했다. 이것이 1848년부터 1915년까지 프랑스를 중심으로 한 미술 작품을 소장 전시하는 오르세 미술관이며, 1986년 12월에 개관했다.

오르세 역


오르세 미술관


기존의 구조와 장식을 존중하면서 부드러운 빛이 쏟아지는 트레인 셰드 아래를 거대한 조각 전시 공간으로 만들고, 플랫폼 부분에 석조 갤러리를 만들어 폐가나 다름없던 건물을 우아한 미술관으로 탈바꿈시킨 그녀의 작업으로 인해 퐁피두 센터 국립 근대 미술관의 평판이 좋지 않았던 전시 공간 개조도 그녀에게 맡겨지게 되었다.[117] 또한 베네치아의 팔라초 그라시를 수리하여 미술관으로 전용하는 계획, 베를린의 옛 이탈리아 대사관을 과학 아카데미로 개조하는 계획, 1929년 바르셀로나 만국 박람회 정부관에 입주해 있던 카탈루냐 국립 미술관을 대규모 개조하는 계획 등 잇따라 미술관 관련 작업이 들어왔다.[117] 샌프란시스코에서는 보자르 양식의 옛 도서관을 개조하여 샌프란시스코 아시아 미술관으로 만드는 계획을 맡아 2003년에 개관했다.

카탈루냐 국립 미술관 살로 오발 (2022)


팔라초 그라시, 베네치아


미술관 외에도 2011년에는 페루자 공항(Aeroporto di Perugia) 확장 계획을 감독했다. 일본에서는 1992년 도큐 전철 본사 부지(현재 세르리안 타워가 세워져 있는 곳)의 공모에 이시모토 건축 사무소와 공동으로 참여하여, 높이 180m로 꼭대기가 넓어지는 초고층 빌딩 디자인 안을 제출했지만 미완으로 끝났다. 2005년에는 도쿄에 이탈리아 문화원 신축 건물을 완공했지만, 황거 근처에 붉은색 건물이 들어선다는 이유로 경관 논쟁을 일으켰다.

아울렌티는 유명한 연출가 루카 론코니(Luca Ronconi)와도 무대 미술 작업을 함께 했으며, 대표작으로는 Samstag aus Licht|빛으로부터 토요일de(1984년) 등이 있다.

4. 3. 무대 디자인

아울렌티는 유명한 연출가인 루카 론코니와 함께 무대 미술 작업을 했다. 대표작으로는 카를하인츠 슈톡하우젠의 ''빛으로부터의 토요일''(1984년) 등이 있다.[86]

아울렌티는 론코니와 함께 1970년대 후반 프라토 극장 디자인 워크숍(Laboratorio di Progettazione Teatrale)을 설립했다.[86] 그들은 피에르 파올로 파솔리니의 ''칼데론'', 에우리피데스의 ''바카이'', 후고 폰 호프만슈탈의 ''라 토레''를 포함한 16개의 작품을 무대에 올렸다.[87][88]

아울렌티는 무대 디자인에서 필리포 토마소 마리네티의 ''다양성 극장 선언문''(1913)에 주목했다. 마리네티는 역사적 모방과 일상생활의 강박적인 재현을 거부했다. 대신 그는 디자인의 자유, 영화적 배경의 사용, 상상력, 풍자, 미래 지향적 개념을 선택했다.[90] 아울렌티는 원근감을 제공하기 위해 무대 캔버스와 플랫에 의존하지 않았다. 대신 그녀는 플랫폼과 계단과 같은 구조물로 무대를 나누어 행동에 맥락을 부여했다.[89][7][90][91]

1977년 라 스칼라에서 아울렌티는 알반 베르크의 무조성 오페라 ''보체크''의 무대 디자인을 제작했다. 클라우디오 아바도가 지휘를 맡았고 글로리아 레인과 구글리에르모 사라비아가 주연을 맡았다.[92] 아울렌티의 딸인 조반나 부찌가 의상을 디자인했다.[7]

프랑스의 음악 평론가 자크 롱샹은 르 몽드에 이 작품을 평론하면서 무대가 커다란 "짓누르는" 벽과 감옥 문으로 둘러싸여 있으며, 무대 자체는 "컨베이어 벨트"로, 시작과 멈춤을 반복하지만 멈추지 않고 등장인물들을 감옥으로 이끌어 간다고 묘사했다.[93]

롱샹은 다음과 같이 썼다.

> 이 장치는 무대를 상당히 높이고, 가수를 객석에서 멀어지게 하는 주요 단점을 가지고 있다. 소리는 플라이에서 사라지고, 적어도 앞줄에서는 목소리가 힘이나 공명이 없이 얇게 들린다... 비현실적이다... 이는 청취자가 처음부터 등장인물의 육체적 존재를 느껴야 하는 매우 짧은 장면의 작품에서는 심각한 문제이다.[93]

이탈리아의 음악학자 마시모 밀라는 라 스탐파에 이 작품에 대한 평론을 실었다. 그는 빛에 따라 색깔이 변하는 움직이는 판으로 된 구조물을 묘사했다.[94] 움직이는 장치는 의자, 테이블 또는 거칠게 정돈된 담요와 매트리스와 같은 소품을 무대로 가져왔다. 밀라는 장치의 의도하지 않은 움직임 소리가 공연을 방해하기 전까지 무대 디자인이 효과적이었다고 생각했다.[94]

론코니의 전기 작가인 니콜라스 비탈리아노는 아울렌티와 론코니가 거의 완전히 어둠 속에 남겨진 무대 전체를 가로지르는 움직이는 표면인 "무대 기계"를 디자인하고 싶어했다고 썼다.[95]

아울렌티는 조아키노 로시니의 오페라 ''랭스 여행''(1984년 페사로)에서 로시니 오페라 페스티벌에서 론코니가 연출한 무대에 텔레비전 모니터를 사용했다.[96] 무대 위에서 비디오 촬영 감독들은 공연을 촬영하고, 가수의 클로즈업과 같은 녹화를 실시간으로 모니터에 방송했다.[97] 또한, 배우들(왕과 그의 수행원 역)은 극장 밖 거리에서 행진하는 장면을 촬영했다.[96][97] 도시 주변의 텔레비전 모니터는 극장 내부의 행위를 방송했고, 극장 내부의 모니터는 거리의 행위를 재생했다.[96] 이탈리아 평론가들은 이 연출을 칭찬했지만, 영국과 미국 평론가들은 그렇지 않았다.[96]

카를하인츠 슈톡하우젠의 ''빛으로부터의 토요일'' 초연은 론코니가 라 스칼라를 위해 제작했다(1984).[98] 라 스칼라는 예상 관객을 수용하기에는 너무 작았고, 그래서 이 작품은 팔라초 델로 스포르트(밀라노 스포츠 센터)로 옮겨졌다.[99] 경기장 공간에서 아울렌티와 론코니는 스펙터클을 창조했다. "루시퍼의 춤" 장면에서 "부정의 정신"은 매우 큰 사람의 얼굴 앞에서 높은 굽의 부츠를 신고 나타났다. 높은 굽의 부츠를 신은 캐릭터는 무대에 수직 프레임에 앉아있는 관악대의 음악을 통해 얼굴을 제어했다.[100]

아울렌티는 또한 밀라노에서 리하르트 슈트라우스의 엘렉트라(1984)와 헨리크 입센의 ''야생 오리''를 제노바에서 무대 디자인을 했다.[7]

5. 수상 경력

1964년 밀라노 트리엔날레에서 거울이 있는 방에 잘라낸 여성의 실루엣을 배치한 작품 "Arrivo al Mare"(Arrivo al Mare|바다에의 도착it)를 이탈리아관에서 전시하여 수상했다.[1] 1977년부터 1980년까지 이 트리엔날레의 임원을 역임했다.[1] 1991년에는 다카마쓰노미야 전하기념 세계문화상 외에 레지옹 도뇌르 훈장과 이탈리아 공화국 공로장을 받았다.[1]

연도상 이름수여 기관
1980무대 디자인 부문 Ubi상밀라노
1983건축 메달파리 건축 아카데미
1984요제프 호프만 상빈 응용미술대학교
1987프랑스 예술문화훈장프랑스
1988시카고 상품거래소 건축 명예 학장시카고 상품거래소
1988국가 학자아카데미아 디 산 루카, 로마
1989'문화 특별상'이탈리아 공화국 제10대 의회
1991프리미엄 임페리얼일본


6. 유산 및 평가

아울렌티는 수년간 밀라노 트리엔날레와 연관을 맺었다.[7] 1977년부터 1980년까지 트리엔날레 집행위원회 위원이었다. ''1951–2001 Made in Italy?''(2001)와 같은 전시회에서 설치 공간을 디자인했다.[106]

2012년 10월 16일 밀라노 트리엔날레에서 평생공적상을 수상했으며, 이것이 공공장소에 나온 마지막 자리였다.[10] 2012년 10월 31일, 밀라노의 브레라 지구 자택에서 84세의 일기로 세상을 마쳤다.[108]

그녀가 사망하고 10일 후, 아울렌티의 주요 작품인 페루자 산 프란체스코 다시시 – 움브리아 국제공항 확장 공사가 개관되었다. 이 공항은 이탈리아 통일 150주년을 기념하기 위해 설계되었다.[27][20]

2012년 12월, 가에 아울렌티 광장이 아울렌티를 기리기 위해 헌정되었다.

가에 아울렌티 광장


아울렌티 사후, 밀라노 트리엔날레와 아르키비오 가에 아울렌티는 그녀의 삶과 작품을 기리는 전시회를 열었다.[106][110]

2020년부터 2021년까지, 독일의 사립 박물관인 비트라 디자인 박물관은 "가에 아울렌티: 창조적인 우주" 전시회를 개최했다.[30]

아울렌티 사망 10주년을 기념하여, 오픈 하우스 – 밀라노와 아울렌티 재단은 건축에 대한 아울렌티의 기여를 강조하는 전시회를 열었다.[27]

가에 아울렌티의 논문, 도면 및 디자인 중 일부는 버지니아 공과대학교의 뉴먼 도서관에 있는 국제 건축 여성 아카이브에서 큐레이팅되었다.[111] 아울렌티의 도면, 사진 자료 및 플렉시 유리 아래의 디자인 모델은 Sistema Informativo Unificato per le Soprintendenze Archivistiche (SIUSA)에서 보관하고 있다.[112]

건축가 마르코 비포니, 프란체스카 페나롤리, 비토리아 마사는 G.A. Architetti Associati라는 이름으로 아울렌티의 이름을 이어가고 있다.[113]

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